От зората на времето хората са правили изкуство с малко познания за материали, техники или теория, но „самоукият художник“ е сравнително нова концепция. За да създадете изкуство извън традиционните канали, първо трябва да изградите тези канали, които са установените институции и академии, които кодифицират художественото образование в стандарти и процедури. Académie Française професионализира изкуството на Запад през 1635 г.
През следващия век, или докато философите на Просвещението не оспорват традицията и авторитета, академията запазва своето господство и се сблъсква с минимален протест. 19-ти век дава някои от нашите най-ранни, най-ценени примери на самоуки художници. През тази епоха се появяват Анри Русо и Винсент ван Гог. Русо може да не е имал официално обучение, въпреки годините на творчески опит.
Самоук означава нещо друго извън западния канон. В някои страни артистите, които работят извън каквато и да е установена система, се считат за по-завършени от професионалните артисти, за чиито ограничения и формалности се смята, че възпрепятстват творчеството. Джоана Уилямс, почетен професор по индийско и югоизточно азиатско изкуство в Калифорнийския университет в Бъркли, пише, че западната концепция за самоук художник „би звучала много странно в Китай, където аматьорският художник с висок социален статус [се] смята за моделът на “гения”, превъзхождащ обикновения професионалист.”
Тези необучени художници от последните 150 години оставиха своя отпечатък без обучение в художествено училище.
Анри Русо, френски импресионист и постимпресионист, нямаше академично образование. На 40 започва да рисува сериозно. Критиците, които искаха да дискредитират наивния, необучен художник, го наричаха „Льо Дуание“ (митничарят). Твърди се, че неизискващата професия на Русо (той никога не е станал митничар) му е дала време да се образова като рисуване; когато не движеше хартия, той скицира в Лувъра.
Непосредствеността и липсата на самонадеяност на Русо разбиват академичните традиции, спечелвайки му последователи сред художниците. Живите, екзотични пейзажи на Русо бяха обичани от сюрреалистите. Силата на Русо беше в способността му да избягва академичната композиция и натуралистичното представяне, според Каспер Кьониг, съкуратор на „Сянката на авангарда: Русо и забравените майстори“ в музея Фолкванг в Есен, Германия. Кьониг: Русо не обичаше измамата. „Изкуството, а не илюзията, беше радикално“
Авангардът на 20-ти век оценява Русо. До края на живота си той излага с Ван Гог, Пол Гоген, Анри Матис и Андре Дерен, а Пабло Пикасо завеща шест свои картини на Лувъра.
Винсент ван Гог, един от най-влиятелните съвременни художници, е бил самоук. Ван Гог, сложен, мълчалив човек, не харесваше училището. След като се провалил в училище, той бил обучаван от майка си и гувернантката на семейството. Първо провален пансион, след това две ужасни години в средно училище, преди да стане помощник на търговец на изкуство на 16 години.
Ван Гог се опита да влезе в семинарията, за да стане свещеник, но се провали на приемния изпит. След като се проваля един семестър в мисионерското училище, той става мисионер през 1879 г. Братът на Винсент, Тео, вижда някои от неговите скици на обеднялото му селско паство и го призовава да се занимава с изкуство. През 1880 г. той за кратко посещава Кралската академия на изящните изкуства в Брюксел.
Ван Гог прекарва остатъка от трагично краткия си живот в рисуване, повлиян от японските щампи на дърво и формалните постижения на колегите си. Неговият специфичен подход подхранва значителна колекция от произведения. Въртящите се, френетични мазки и ярки, експресивни тонове на Ван Гог са запазени марки на самоук, независим стил.
Бащата на Фрида Кало, немски фотограф, видя нейното артистично обещание като дете и я научи на фотография и графични изкуства. Местният художник я наема като свой чирак за гравиране, когато тя надхвърля очакванията му. Младата Кало искала да учи медицина. Нейното чиракуване и обучение бяха прекъснати от почти фатална автомобилна катастрофа на 18-годишна възраст.
Прагматичната Кало обмисля да стане медицински илюстратор, докато се възстановява. Тя има създаден статив с огледало, за да може да се вижда как рисува въпреки ограничената си подвижност, което води до автопортрети и анатомични изследвания. Кало създава своя стил, като се фокусира върху личното изразяване, а не върху илюстрацията. Тя комбинира модерни формални елементи с мексикански културни обичаи и необучена католическа иконография.
Личният и интелектуален интерес на Кало към мексиканската идентичност я кара да носи местни костюми и да се изгражда като мексиканско-германски метис в своите автопортрети. Нейните техники и народните изкуства, на които се възхищаваше, също бяха неразделна част от нейния възглед за авангардното изкуство като протест и алтернатива на академичното обучение по изкуство.
През 2013 г. изкуствоведът на New York Times Робърта Смит написа за самоукия художник Бил Трейлър: „Неговият гений избухна внезапно, когато беше на 85 и му оставаха 10 години живот“. Трейлър, роден като роб наПлантация в Алабама през 1854 г., нямаше официално образование и никога не се очакваше да навлезе в света на изкуството. След Гражданската война той остава изполвач в южната част на Джим Кроу. „Белите ми бяха умрели, а децата ми се разпръснаха“, каза той.
Трейлър остава бездомник през 30-те години на миналия век, след като ревматоидният артрит го принуждава да се пенсионира. Без пари той прави рисунки и картини с изтъркани материали. Чарлз Шанън открива работата на Трейлър случайно през 1939 г. и му дава нови доставки, признателност и подкрепа. Трейлър стана изключително плодотворен, изпълвайки изображение след изображение с опростени изображения на хора, места и други символи от живота си. Работата му е призната за своя уникален, необучен естетически и творчески прозорец към черния живот на Юга по време на Реконструкцията.
Анна Мери Робъртсън „Баба“ Моузес се е занимавала с изкуство през целия си живот, въпреки че няма професионално обучение. Икономка от малък град, превърнала се в домакиня, тя беше самоук „примитивен“, който започна да рисува „агнешки пейзажи“ като дете, като изстискваше гроздов или лимонов сок за цвят. В младостта си тя копира отпечатъци на Currier и Ives. Изкуството на Моузес ставаше все по-богато украсено с нарастването на семейството й: рисувана сцена върху семейната камина, бродирани с прежда картини, големи юргани, кукли за внуците й.
Моузес може би нямаше да се върне към рисуването, ако не беше получила артрит в старшите си години. Тя става изключително продуктивна, произвеждайки над 1500 творби с директни, ярки и реалистични изображения. Колекционер на изкуство откри нейни произведения на изкуството на витрина на аптека, където тя също продаваше печива и конфитюри.
Моузес има собствено успешно самостоятелно шоу през 1940 г., една година след като три нейни картини са включени в изложбата на MoMA „Съвременни неизвестни американски художници“. По времето, когато умира през 1961 г., тя е самоука баба на американското народно изкуство и е получила две почетни докторски степени, включително една от колеж по изкуство и дизайн.
Хенри Даргер, попечител на болница в Чикаго, прекарва по-голямата част от свободното си време в писане и илюстриране на магнумната си работа от 1930 до 1973 г. В царствата на нереалното е книга от 15 145 страници със стотици рисунки за момичетата Вивиан, християнски принцеси, които помагат бунт срещу системата на робството на злата империя.
Той страстно пресъздава делата на своите героини, чиито действия са намесени с ужасни страдания и мъки от ръцете на техните експлоататори, в акварел и колаж от списания. В неговата фантастична история Момичетата Вивиан повтарят ужасните разкази за ранни католически светци, но са нарисувани като герои от комикси или рекламни момичета.
Стилът му е повлиян от популярната култура и бурното му детство. Изпратен в католическо сиропиталище на 8-годишна възраст и институционализиран на 13-годишна възраст в приюта за слабоумни деца в Илинойс, Даргер се самоопределя като художник и „защитник на децата“. И двете титли са издълбани на надгробния му камък на 81-годишна възраст. Дарджър е известен със своята брилянтност, често трансгресивна тема и упорито желание да постигне идеите си.
Музикалният баща на Йоко Оно я е преподавал на класическо пиано, но не и на визуални изкуства. Оно кандидатства в токийския Гакушуин след гимназията, за да учи философия. След две години тя се присъединява към семейството си в Ню Йорк. Тя посещава колежа Сара Лоурънс през 50-те години на миналия век, за да преследва таланта си в музикалната композиция, което й позволява да влезе в града и да се срещне с артисти във време, когато поети, визуални художници, музиканти, хореографи и други изпълнители трескаво си сътрудничат в мултимедия, интердисциплинарни произведения на изкуството.
Музикалният опит на Оно беше достатъчен, за да я предложи на авангардната среда в Новото училище за социални изследвания, която включваше композитора и поетеса Ла Монте Йънг, концептуалния художник Джордж Брехт и художника на пърформанса Алън Капроу.
Оно процъфтява там. Въпреки (или вероятно поради) липсата на официално художествено обучение, работата на Оно пъргаво синтезира визуални и теоретични теми, особено в нейните изпълнения. Въпреки че се омъжи за един от най-известните музиканти в света през 1969 г., Оно никога не се нуждаеше от помощта му, за да стане пробив, световноизвестен самоук художник.
Thornton Dial е роден през 1928 г. в семейството на изполицаи от Алабама. Той не започна училище, докато не беше на 13 години, и това, че беше поставен във втори клас, го смути. Едър за възрастта си и свикнал с тежък труд, Дайъл пропуска училище, за да работи. Работи в завод за вагони до затварянето му през 1981 г., когато започва да прави изкуство като хоби.
Този ранен опит във физическия труд оформя самообучението на Дайъл по отношение на материали и техники, които той използва в полуфигуративна, полу-абстрактна работа, която по-късно ще се развие в огромни, често монументални съвкупности. В средата на 90-те Dial каза: „Моето изкуство е моята свобода“. „Когато започвам да творя изкуство, мога да използвам всичко. Започвам с произволни обекти, които отговарят на моите представи.
Дайъл беше опитен диагностик на грешките на американското общество. Расизмът, мизогинията и бедността са повтарящи се теми в неговите писания, които се позовават на текущо събитие
Регистрирайте се за актуализации по имейл за нови изложби и още:
© 2022 Red Hot Art. Всички права запазени.